Luca Guadagnino, der Timothée Chalamet in „Call Me by Your Name“ spielte, begrüßt das Publikum mit seinem wiedergelobten Schauspieler in „Bones and All“, der ihm den Best Director Award in Venedig einbrachte. Außerdem ist Chalamet dieses Mal gleichzeitig einer der Produzenten des Kinos.
Die Quelle des Kinos, Camille DeAngelis, die zuvor Jack Finneys „The Body Snatchers“ und Dario Argentos „Suspiria“ adaptierte und mit Luca Guadagnino an „A Bigger Splash“ arbeitete, ist die Quelle des Kinos, dessen Drehbuch Camille geschrieben hat DeAngelis, einzigartiger Roman. Wir treffen Maren zuerst im Kino. Um mit dem von ihrer Mutter geerbten Kannibalismus fertig zu werden, muss das junge Mädchen immer wieder zu ihrem Vater ziehen. Eines Tages trifft er auf Lee, der die gleichen Impulse hat wie er. Beide gehen als ausgegrenzte „Andere“, die nicht ihren Familien gehören, auf eine lange Reise.
innere Reise
Wie aus Marens Geburtsurkunde hervorgeht, spielt die Geschichte Ende der 80er Jahre; nämlich in Reagans Amerika, das seinen Höhepunkt im Konservatismus erreichte … Luca Guadagnino scheint eine Liebesgeschichte verfolgt zu haben, die an Oliver Stones „Born Killer“ erinnert, aber in die entgegengesetzte Richtung geht. Er vergleicht den kannibalischen Drang von Maren und Lee mit einem Vampirkorpus und verwandelt sie in den Existenzkampf anderer. Es ist ziemlich bezeichnend, dass er diesen Drang als eine Erbkrankheit behandelt. Denn Eltern adoptieren ihre Kinder mit dieser Krankheit, die aus ihrem eigenen Blut stammt, nicht und bemühen sich nicht, ihnen ein Leben aufzubauen. Und irgendwie lassen sie sie in Ruhe. Die Entscheidungen, die Maren und Lee bei der Nahrungssuche treffen, machen sie auch gewissenhaft „sauber“. Zum Beispiel behandelt eines der Opfer eine Mutter mit einem Baby und der Vielfraß behandelt ein kleines Kind; Maren und Lees elterliches Trauma und die Auseinandersetzung mit sich selbst folgen ihnen daher immer. Guadagnino und Drehbuchautor Kajganich gehen an dieser Stelle lieber einen einfachen Weg. Denn ein Liebes- und Roadmovie zu drehen, das in Reagan America spielt und die konservativen Reflexionen dieser Zeit nicht zu zeigen, die Ausgrenzung der Gesellschaft nicht zu berühren, das Ereignis nur auf die kranken Blutsbande von Maren und Lee zu reduzieren, bedeutet, sich daran zu gewöhnen ziemlich feige sein. Während sich unsere Helden mit ihren familiären Traumata auseinandersetzen, verliert das Kino kein Wort über die Gesellschaft. Wenn man bedenkt, dass das Elend von innen kommt, kann man sogar sagen, dass das Duo, das versuchte, einander ein Zuhause zu sein, im Einklang mit der Amerika-Sichtweise von Reagan handelte und fügsam wurde.
Der Film hat tatsächlich einen ganz anderen Charakter als seine Protagonisten: Sully, der wie ein Indianer aussieht, mit einem langen Haarschwanz seiner Opfer, ist irgendwo in der Mitte des schrecklichen Mannes und der Komparsen des Films positioniert, während er assoziiert werden kann mit der mit Massakern gefüllten amerikanischen Geschichte oder mit mehr Tiefe als nur einem flüchtigen Blick geschrieben. Mit seiner Leistung in dieser Rolle gibt Mark Rylance jedoch sein Bestes und steht wahrscheinlich kurz vor einer Oscar-Nominierung in der Kategorie der männlichen Nebendarsteller. Taylor Russell, die das Kino weitgehend geschultert und bei den Filmfestspielen von Venedig mit dem Marcello-Mastroianni-Preis für junge Talente ausgezeichnet wurde, verdient Lob für ihr ruhiges Spiel ohne Übertreibung. Chalamet hingegen schafft es, Russell mit dem Selbstvertrauen seines rasanten Aufstiegs im Kino eine Rolle zu stehlen, obwohl seine Figur im Hintergrund steht.
Ich bin ein Vater, ich bin ein Vater!
Knapp acht Jahre nach „The Water Diviner“, in dem er seinem Land, den Anzacs, die in Çanakkale kämpften, und dem heldenhaften türkischen Soldaten zugleich huldigte, sitzt Russell Crowe wieder auf dem Regiestuhl. Mit einem Film, für den er zum ersten Mal in seinem Beruf das Drehbuch geschrieben hat…
Jake Foley ist ein Veteran und ultra-reicher Spieler. Doch er ist von einer tödlichen Krankheit befallen. Eines Abends bringt er seine Freunde aus der Kindheit zu einer Enthüllung für das letzte Spiel mit. Sein Ziel ist es, sie aufzufordern, für ihre Fehler Rechenschaft abzulegen, mit ihnen abzurechnen. Natürlich wird es chaotisch, wenn die Diebe in der Nacht, in der sie sich versammeln, das Haus unter Druck setzen.
Russell Crowe verfolgte in „Last Hope“ seine Söhne, die in Çanakkale kämpften. In seinem neuen Kino geht er auf die Heiligkeit des Vaterseins ein. Der Verlust seines Vaters, dem er dieses Kino widmete, scheint ihn veranlasst zu haben, sich wie der Held des Kinos zu hinterfragen und sich mit dem abzufinden, was er der Zukunft hinterlassen wird. Obwohl es für jenseitige Zwecke gedacht war, ist „Dangerous Game“ eine Erfindung, die nicht Crowes menschliche oder professionelle Reife widerspiegelt. Es kann weder Spannung in Innenräumen noch die emotionale Intensität des Todes verursachen … Es ist eine sperrige, nichtssagende Produktion. RZA, Liam Hemsworth vs. „Was habe ich in diesem Kino gemacht?“ haben sie sich gefragt?
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